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francis bacon y

la condición existencial en el arte contemporáneo

 

 

 

franziska nori

 

 

 

 

 

 

 

“Cuando puedes dar un nombre a las cosas, tú disminuyes el sufrimiento en el mundo”. Parafraseando esta afirmación de Albert Camus podríamos decir que cuando uno es capaz de encontrar las palabras para contar una experiencia dolorosa entonces algo cambia en el ser humano y en su percepción del mundo. Esta experiencia se hace visible, verbalizable y por lo tanto compartible. Se crea una idea de la solidaridad, una que surge de la soledad.

 

Francis Bacon y la condición existencial en el arte contemporáneo plantea la obra de artistas que exploran el tema de la existencia. Sus obras dan forma a estados de ánimo y a las preguntas que plantea un ser humano en su relación con la más íntima y emocional esfera de su self, pero también con su cuerpo, tanto el propio como el de los demás, y el mundo circundante. El punto de partida es un grupo de pinturas del gran maestro Francis Bacon, cuyo trabajo entra en diálogo con la de cinco artistas contemporáneos: Nathalie Djurberg, Adrian Ghenie, Arcangelo Sassolino, Chiharu Shiota y Annegret Soltau.

 

La exposición ha proporcionado la oportunidad de reunir sensibilidades contrastantes, más allá de las diferencias temporales y culturales que existen entre los diferentes artistas. Las obras de Bacon son, en cierto sentido, sometidas a una prueba de su modernidad a través de una comparación con los cinco artistas que, de diferentes maneras, en cuanto a la forma, la elección de estilo y sensibilidad, se caracterizan por una aptitud para la investigación que es similar o comparable a la intensidad casi obsesiva de su trabajo.

 

La mezcla de arte figurativo y abstracto, los cuerpos transfigurados, la referencias autobiográficas, el uso de diferentes fuentes iconográficas, la tensión y el aislamiento como metáforas de la vida de la humanidad se repiten como componentes fundamentales en las obras de los cinco artistas contemporáneos colocadas junto a las de Bacon.

 

 

El objetivo de la exposición es no tratar de crear conexiones directas o vínculos de causa y efecto entre Bacon y los otros cinco artistas. El recorrido de la exposición se ha diseñado de tal manera como para permitir que el espectador llegue a comprometerse físicamente con espacios que hacen posible una inmersión en la dimensión estética y emocional que caracterizan a cada una de las diferentes posiciones artísticas. Procediendo de lo que podría describirse como una “forma de onda” de ritmo, las obras de Bacon marcan el inicio del recorrido de la exposición para a continuación, volver como un eco a través el resto de la exposición, lo que nos permite comparar personalidades muy diferentes que, sin embargo comparten una común voluntad de involucrar al público en una reflexión existencial sobre la vida contemporánea.

 

Las dos primeras salas de la casa de la exposición pertenecen a diferentes momentos de la producción de Bacon e ilustrar algunas de los temas centrales de su obra —la figura humana, por ejemplo, que está representada deformada y retorcida en un estado de aislamiento dentro de espacios vacíos. Entre las diversas obras expuestas hay algunos lienzos sin terminar —guardados por Bacon en su estudio durante muchos años y que después de su muerte entran en las colecciones de la Dublin City Gallery The Hugh Lane.

 

 

Las últimas se exhiben por primera vez fuera de Irlanda, lo que permite al público de la CCC Strozzina apreciar más plenamente incluso los aspectos más técnicos de la obra del artista. Barbara Dawson, la persona responsable de la sección de la exposición dedicada a Bacon y directora del instituto irlandés que desde 1998 se ha hecho cargo del estudio del artista en Londres, preservándolo exactamente como era, ha hecho una selección de obras que apuntan a reflexiones de largo alcance sobre el intenso proceso de la investigación visual del artista, yuxtaponiendo ambas obras, terminadas y sin terminar, con una selección de material fotográfico y documental de su estudio: reproducciones de grandes obras maestras de la pasado, fotogramas de películas, sus propios retratos y fotografías de amigos, las fotos tomadas de libros y revistas— el material utilizado por Bacon como herramienta de trabajo para la creación de su propio arte. El artista acumuló estos materiales en su estudio de forma casi obsesiva, usando de ellos en varias ocasiones y permitiendo que llegaran a dañarse.

 

Él los dispersó en parte por el suelo, caminaba sobre ellos, dándoles tiempo para hacerse frágiles, a deteriorarse los materiales de soporte o desgastar la superficie de las imágenes.

Como David Sylvester describe vívidamente, Bacon no se limitó a estudiar estas imágenes, sino a manipularlas, plegarlas, cortarlas y luego unirlas para ser utilizadas como modelos para sus representaciones de figuras humanas deformadas que aparecen desprovistos de cualquier parecido coherente.

 

Los sujetos heterogéneos del documental y el material fotográfico que Bacon utilizó como modelos tienen la connotación de portadores de un contenido visual, ya no como objetos en sí mismos. En esta toma de posesión de material visual que extrajo de los medios de comunicación de su tiempo, Bacon descontextualizó los fragmentos y luego los volvió a montar de acuerdo a sus necesidades, utilizando un método de trabajo muy contemporánea, una especie de proceso manual del digital copia y pegar.

 

Los temas que surgen pierden por completo su connotación original y adquieren su propia independencia estética y un nuevo significado simbólico.

Después de la sección inicial dedicado a Bacon, la exposición continúa con los artistas contemporáneos, empezando por Natalie Djurberg. Sus obras plantean dudas existenciales y preguntas que oscilan entre la vida y la muerte, el miedo y el deseo, explorando tales molestos tabúes o complejos aspectos de la condición humana como la vulnerabilidad, la soledad, la sexualidad y la muerte. Las instalaciones y vídeos que Djurberg presentó a la exposición, gracias a la colaboración con la Fondazione Prada, son particularmente representativos de su enfoque, en el que el contenido a menudo crudo y violento se expresa con perturbadoras y grotescas imágenes, de acuerdo con un estilo que es sólo aparentemente lúdico. Los cuerpos de sus figuras están representados como materia en un estado de transición, sujetos a procesos de descomposición y deformación que se acentúan por el uso de un material flexible y dúctil como la plastilina.

 

La exposición continúa con la sala dedicada a Adrian Ghenie que es representado por una serie de obras recientes producidas expresamente para este evento. El artista rumano crea pinturas en la que combina los recuerdos personales y las imágenes emblemáticas de la historia reciente, a partir de fuentes tales como catálogos o libros de historia, fotogramas de películas y sobre todo imágenes tomadas de Internet.

 

Él investiga el tema de la memoria, donde las huellas de la vida de un solo individuo se fusionan con los de eventos históricos, con imágenes del pasado cuya claridad absorbida por el tiempo ha cedido a las huellas materiales y visuales una importancia colectiva. La figura humana es casi agredido, particularmente la cara, donde la individualidad de una persona se hace más evidente, con un repinte que anula y corrompe, destruye y hace el tema casi imposible de reconocer: a veces conocidos personajes negativos de la historia europea, otras veces figuras anónimas. Un fuerte sentido de realismo coexiste con goteos y vertidos de pintura o abrasiones de las distintas capas de pintura y los fondos de color en una fusión entre el arte figurativo y abstracto. Las figuras parecen casi luchar contra su propia disolución dentro de espacios cerrados, lugares internos que emanan una familiaridad distante. Lo que nos golpea sobre todo es la soledad del individuo, el silencio de los paisajes pintados que se asemejan a los retratos de nuestro self interior.

 

En la siguiente sección de la exposición, la figura humana representada por Bacon es vuelta a proponer, en particular, a través una selección de retratos, fotografías y material documental que el artista utilizó, con un fervor casi obsesivo, en su estudio de los diversos estados de la figura humana, como los estudios de Eadweard Muybridge del cuerpo en movimiento, imágenes tomadas de libros de anatomía o cirugía, pero también retratos de sus amigos más cercanos encargados por el artista y utilizados en varias ocasiones como modelos a lo largo de los años.

 

El cuerpo humano es una vez más, aunque en una muy diferente manera, la materia prima que caracteriza la intensa labor de Annegret Soltau, representada en la exposición por las obras de varias etapas de su carrera artística. En sus primeros experimentos performativos, Soltau utiliza un hilo negro, que enrolla alrededor de su cuerpo de tal manera que corta profundamente la carne. Otras obras ilustran la transición del artista alemán desde la fotografía, donde el evento efímero de la acción performativa está congelado en el tiempo. Soltau utiliza a continuación la representación fotográfica misma como un objeto en el que interviene con la aplicación de hilos negros cosidos directamente sobre el papel fotográfico a posteriori. La violencia de estas obras está en marcado contraste con el mínimo sobriedad compositiva característica de su estilo. En un paralelismo entre la dimensión corporal y físico y la dimensión mental y existencial, las heridas, las constricciones y la fragmentación de las caras y los cuerpos de Soltau se convierten en un instrumento para reflexionar sobre su propia persona, para, a continuación, adquirir una más amplia y simbólica relevancia en relación con la figura humana en general. La intersección entre la experiencia física y perceptiva y una experiencia mental que podríamos llamar mnemónica se encuentra en el corazón de la instalación de ubicación específica creada para las salas de la CCC Strozzina por Chiharu Shiota.

 

El artista trabajó durante varios días en el lugar de la exposición, tejiendo una intrincada red con un hilo negro. Un tipo de actuación cerrado al público que dejó visibles huellas del paso del artista. Como sucede a menudo en su trabajo, la malla densa atrapa los objetos familiares de uso diario que de este modo son retirados de su contexto y función normales. En el caso específico de la instalación florentina los objetos en cuestión son algunas puertas viejas abandonadas del Palazzo Strozzi. El artista japonés confiere nueva densidad a un espacio en el que el tiempo parece detenerse e incluso congelarse, causando ocultas, olvidados o imaginadas conexiones que surgen.

 

Shiota parece trasladar estados emocionales y reflexiones existenciales a una dimensión tridimensional, reuniendo juntos recuerdos, sueños, elementos autobiográficos y las huellas de un pasado que adquieren una forma física evocadora con un valor poético universal.

Junto a esta instalación se encuentra una de las obras más importantes de la exposición, la que se considera que es la última obra de Francis Bacon, el autorretrato encontrado en un caballete de su estudio de Reece Mews en Londres cuando el artista murió en Madrid en 1992. La cara está casi completa, mientras que el cuerpo está simplemente esbozado con pinceladas ligeras que parecen disolverse en el lienzo crudo. No sabemos si es de hecho un autorretrato o la cara de un viejo amigo o un perfil tomado de una de las fuentes iconográficas el artista coleccionó. Una vez más, sin embargo, se percibe claramente el tema del aislamiento de la figura, incluso aquí más enfatizado por el silencio del vacío espacial en este último, auténticamente trabajo “sin terminar”. La exposición termina con una instalación de ubicación específica del artista italiano Arcangelo Sassolino, cuya obra se distingue por su capacidad de crear poderosas formas, objetos y sistemas mecánicos que evitan cualquier concesión a la narrativa, creando las condiciones para una experiencia existencial. En el caso del trabajo realizado para la presente exposición, dos pistones tiran de una tensa y pesada cuerda atada a dos vigas colocados junto a los gruesos muros de las dos entradas de la sala. El sistema entra en funcionamiento a intervalos inesperados, llevando la cuerda o la madera de las vigas hasta el límite de su resistencia, su potencial punto de ruptura. Esta precario balance de fuerzas se aplica en la relación entre todo el sistema y la arquitectura de la vivienda, pero sobre todo en la relación entre el objeto y el espectador, que se coloca en una condición psicológica de tensión y confrontación directa con los riesgos del trabajo.

 

 

 

 

Lo que los artistas presentes en la exposición tienen en común es una lucidez profunda en el tratamiento de los temas de la existencia a menudo dolorosos, a pesar de que se abordan desde diferentes perspectivas y con una variedad estilística de formas.

 

Con frecuencia se apartan de una referencia o contenido autobiográfico y logran experiencias en la creación estética que producen un impacto visual y físico en el espectador, dando forma a los estados emocionales y mentales comunes a muchas personas que de este modo se hacen realmente manifiestos y compartibles.

 

Otro elemento que podríamos identificar como común a estos diversos artistas es la importancia atribuida al lugar de estudio, el espacio físico en el que se elaborar su trabajo de una retirada temporal del mundo, como si estuvieran escuchando sus propios sonidos “interiores”.

 

Los estudios de estos artistas no son lugares de producción en masa, donde numerosos asistentes trabajan en la  ejecución material de obras preconcebidas, sino que son principalmente lugares de reflexión en que los artistas proceden en un proceso de despersonalización a través del cual precisas sintaxis formales hacen posible la síntesis de diversas reflexiones e influencias conceptuales y visuales, produciendo así el objeto de una experiencia interpersonal y, por tanto, con una validez colectiva.

 

Las consideraciones preparatorias para la puesta en común de la exposición giró en torno a la cuestión de por qué las obras de Francis Bacon todavía tienen tan fuerte resonancia hoy en día. La obra de Bacon fue emblemática para la generación que vivió el período posterior al fin de la Segunda Guerra Mundial. Nuestra investigación se dirige a descubrir ya sea que la experiencia del absurdo todavía tiene un eco en el mundo contemporáneo, como experiencia existencial individual y colectiva. Las obras de Bacon suelen considerarse representaciones del concepto del absurdo, como la experiencia filosófica de una concepción abstracta del mundo.

 

Sin embargo, Bacon parece apuntar sobre todo a un examen existencial del self autobiográfico. “La idea embrionaria de la radical irracionalidad de la existencia”, escribió Steven Madoff en un intercambio de correos electrónicos durante la preparación de la exposición, “es la trayectoria de la experiencia humana postulada por Bacon. Sus figuras nacen del cruce de una no necesidad y una innata falta de ley, que se eleva a partir de la energía del caos a una emocional y, por extensión, agotamiento biológico, cuyo punto central es la furia de la carne”. Si los filósofos existencialistas e intelectuales del siglo 20 expresa una reflexión que nace de la experiencia traumática sin precedentes de las dos guerras mundiales, hoy vemos una especie de nueva ola de intelectuales que se apartan de los fenómenos que son más típicamente individuales. Alentados por un pragmatismo post-moderno, subsecuente al colapso de las grandes utopías del siglo 20, se trabaja con una conciencia de los efectos de los impulsos personales en los paradigmas de la cultura dominante.

 

Ellos parecen apartarse de las observaciones sobre el sí mismo en su relación con la realidad y los conflictos de la vida cotidiana, principalmente el estado de precariedad material de las generaciones más jóvenes y la crisis de un sistema de valores colectivos que ha llevado a la convicción de tener que encontrar soluciones individualistas a los fenómenos para los cuales la sociedad en su conjunto debe asumir la responsabilidad. Dentro de las reflexiones que podríamos llamar neo-existencialistas, el tema central es el cuerpo, la interfaz que define y circunscribe la calidad de las relaciones interpersonales en una cada vez más estetizada sociedad. El cuerpo se convierte en un objeto para ser moldeado y controlado, generando anomalías y conflictos al borde de la patología.

 

  

 

 

 

 

Michela Marzano, profesor de filosofía moral en la Universidad Descartes de París y autor de un artículo en el presente catálogo, analiza los diversos conflictos de una persona en su relación con la dimensión del cuerpo. Frente a los cambios profundos en la sociedad y el aumento de los avances éticamente controvertidos en el campo de ciencia y la medicina —a partir de la manipulación genética en la utilización de órganos animales o artificiales en los trasplantes humanos— es esencial una reevaluación fundamental y una verificación del concepto del cuerpo.

 

Según Marzano, es el instrumento a través del cual una persona expresa y materializa los estados internos, malestares y patologías individuales que asumen cada vez más el estatus de fenómenos colectivos; desde la cirugía plástica a la anorexia, desde la violencia sufrida especialmente por las mujeres y los niños a la violencia que se auto-inflige, cuestiones que también son explorados en el obras de la exposición de artistas como Nathalie Djurberg y Adrian Ghenie. Mehdi Kacem Balhaj, la filósofa argelina que vive y trabaja en París, investiga temas tales como la memoria, el mal y el miedo a la muerte, ideas centrales en la expresión de los artistas representados en la exposición.

 

Un alumno de Alain Badiou, Kacem explora la naturaleza del mal, un fenómeno por el que el hombre siempre se ha sentido atraído y del cual, los estudios de filosofía tradicionalmente sólo han examinado como un factor colateral de las cuestiones más importantes como la verdad, la ciencia, la política o el arte. Es la cultura del entretenimiento contemporánea en particular la que parece más susceptibles al atractivo de este concepto, que encuentra trivializada expresión en géneros musicales como el rap o el heavy metal, o en juegos de video, películas y programas de televisión en que la violencia y el mal son fenómenos normales y cotidianos. Kacem define el mal como “lo que añade sufrimiento a lo que el hombre trae al mundo. Los animales no conocen el concepto de tortura” (véase la entrevista con Gero von Randow; Die Zeit, 3 de octubre de 2011).

 

Kacem afirma que este sufrimiento añadido se expresa en la “naturaleza científico” del hombre, donde la ciencia debe ser entendida como la capacidad del hombre para producir instrumentos que maximizan la consecución de una meta atroz, identificando un vínculo directo entre el topos cultural del pecado original de origen cristiano y la apocalipsis ecológica inducida por el hombre. También es interesante la idea de la sublimación del miedo existencial que Kacem toca a la hora de reflexionar sobre el arte contemporáneo. La producción artística, según Kacem, hace que sea posible enfrentar el sentimiento eterno del miedo a la muerte, explotándolo y canalizándolo. En la creación de una obra de arte la relación con la muerte se experimenta como la capacidad de generar un impulso emocional que permite al artista trabajar por sí mismo.

 

Proporcionando una especie de interpretación indirecta de la obra de artistas como Arcangelo Sassolino o Chiharu Shiota, que se refiere a su trabajo como una búsqueda de una “ausencia de existencia”, Kacem identifica el poder del arte como el la capacidad para enfrentar el miedo a la muerte, a los golpes y traumas, generando un placer, no obstante paradójico del intelecto: “Es nuestro nihilismo aristotélica, nuestra relación con el significado del poder y la violencia emocional bruta.” (Ver Conversación entre Mehdi Belhaj Kacem y Djamel Kokene, 8 de abril de 2012).

 

 

El objeto de arte, que también se entiende como un objeto conceptual y no necesariamente material, se convierte en el símbolo de un nuevo sentido de control y reapropiación en la relación entre la existencia humana y la realidad. El miedo deja de ser una fuerza de inmovilización y se convierte en una energía creativa.

 

El presente volumen pretende ser un instrumento para la reflexión sobre estos temas a través de las diversas entradas descriptivas sobre las obras de los artistas implicados y los ensayos de Michela Marzano, Martin Harrison y Barbara Dawson.

 

 

 

 

Las dos últimas contribuciones son fundamentales para una reevaluación de la obra de Francis Bacon, a la luz de los más recientes estudios. Harrison, un eminente erudito de Francis Bacon y redactor del  catálogo razonado dedicado a su trabajo, formula reflexiones que contribuyen a la comprensión de la importancia fundamental del  archivo del artista visual, ilustrado en la exposición de los materiales a partir de su estudio. Dawson, por otra parte, se centra especialmente en el significado y la importancia de las obras inacabadas de Bacon, cuyo papel en la producción artística de Bacon proporciona la indicación para otras posibilidades de estudio y análisis.

 

Además del catálogo, al igual que en todos los proyectos de CCC Strozzina, un mayor estímulo a la reflexión está representado por el programa de conferencias y actividades que se lleva a cabo durante todo el período de la exposición, desde aquellos para los colegios y universidades hasta aquellos para familias y adultos.

 

 

 

Por un lado, Barbara Dawson y los artistas Adrian Ghenie y Arcangelo Sassolino interactuarán directamente con el público, por otro, habrá contribuciones de expertos de la talla de Franco Rella, filósofo y profesor de estética que explorará los temas del cuerpo y del mal, Luigi Ficacci, uno de los más importantes estudiosos italianos de Francis Bacon, Federico Ferrari, filósofo y crítico de arte que va a examinar el tema del auto-retrato, y, gracias a la colaboración con la Fondazione Studio Marangoni, Giovanna Calvenzi y Nicoletta Leonardi, que desde el punto de vista de los estudiosos de la fotografía se ocuparán de temas como el género del autorretrato de la mujer y el papel del archivo en la recuperación de una nueva visión de la vida cotidiana.

 

Además de agradecer la Galería de la ciudad de Dublín The Hugh Lane, todos los artistas y las galerías que participan en la colaboración que hizo posible la puesta en escena de la exposición, deseamos subrayar, en particular, el apoyo moral y organizativo del Patrimonio de Francis Bacon, que en su carácter de fiduciario de la obra del artista contribuyó a la realización de este proyecto.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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